Cartografias en movimiento – Toni Richarte
Ver más sobre el artista: Marina Gadea Más Exposiciones CARTOGRAFÍAS EN MOVIMIENTOToni RICHARTE Toni Richarte: pintura, movimiento y transformación La obra de Toni Richarte se sitúa en un territorio donde la abstracción geométrica se convierte en experiencia sensorial y búsqueda interior. A través de composiciones vibrantes, líneas audaces y estructuras que sugieren expansión, dirección y energía, el artista construye un lenguaje propio en el que el color y la forma funcionan como fuerzas vivas. Nacido en Jerez de la Frontera en 1993, Richarte ha desarrollado una práctica artística profundamente vinculada al estudio del movimiento. Su formación y dedicación a disciplinas como el Parkour y el Arte del Desplazamiento han sido determinantes en la construcción de una mirada que entiende el espacio no como fondo, sino como campo activo de percepción, tensión y conciencia. Esa experiencia corporal se traduce en una pintura precisa, dinámica y espiritual, capaz de activar en el espectador una lectura tanto visual como emocional. Lejos de una abstracción fría o meramente formal, su trabajo propone una relación directa con la energía de la materia pictórica. En sus obras aparecen la repetición, el impulso, el equilibrio y la búsqueda de una armonía que no es estática, sino expandida. El uso del spray, junto con acrílicos, esmaltes y otros materiales, refuerza una estética contemporánea donde conviven exactitud técnica, intuición y potencia atmosférica. La trayectoria reciente de Toni Richarte confirma la consolidación de una investigación artística coherente y en crecimiento, con presencia en exposiciones individuales y colectivas en Andalucía y otras ciudades españolas. Su obra, desarrollada tanto en estudio como en el espacio mural, plantea una pintura que no solo se contempla: se atraviesa, se siente y se habita. Artista TONI RICHARTE Toni Richarte (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1993) desarrolla una obra pictórica que nace del cruce entre movimiento, conciencia corporal y exploración espiritual. Su lenguaje visual, profundamente abstracto, se construye a través de composiciones de gran tensión formal, donde la línea, el ritmo y el color generan una sensación constante de impulso, expansión y transformación.Su trayectoria está marcada por una investigación sostenida sobre el cuerpo en relación con el espacio. Formado en Magisterio de Educación Física y vinculado durante años al estudio del Parkour y el Arte del Desplazamiento, Richarte traslada a la pintura una experiencia encarnada del movimiento, convirtiendo cada obra en una cartografía interior donde lo físico y lo metafísico se encuentran. En sus piezas, el color no actúa únicamente como recurso estético, sino como vehículo simbólico y sensorial. La repetición, el dinamismo y la precisión compositiva revelan un proceso de trabajo riguroso, en el que la visualización mental y la materialización plástica se integran con una clara voluntad de ir más allá de la mera representación. Su obra no busca solo comunicar, sino provocar una experiencia visual capaz de transformar al espectador. Toni Richarte trabaja tanto sobre lienzo como en intervenciones murales, empleando técnicas como spray, acrílico, esmaltes y pintura de asfalto. Su práctica dialoga con la arquitectura urbana, con la energía del desplazamiento y con una sensibilidad contemporánea que hace de la abstracción un lugar de intensidad, equilibrio y apertura. Conocer el artista Compartir: Facebook WhatsApp X Threads
Entidades: singular y plural
Ver más sobre el artista: Marina Gadea Más Exposiciones ENTIDADES: PLURAL Y SINGULARsonia colón – rafael cerdá Entidades: singular y plural reúne la obra de Sonia Colón y Rafael Cerdá en un diálogo pictórico sobre la presencia: qué es un cuerpo cuando se sostiene en soledad y qué ocurre cuando ese cuerpo se vuelve multitud, rastro o tránsito. La exposición propone entender lo humano como “entidad”: una aparición concreta —física y emocional— que ocupa un espacio, lo activa y lo tensiona. En la obra de Sonia Colón, la entidad se manifiesta como figura singular, a menudo niños, tratados con un realismo contenido que contrasta con el entorno. No se trata de un fondo descriptivo, sino de una abstracción delimitada, construida por capas, veladuras y zonas borradas que funcionan como escenario mental. La figura queda suspendida en una superficie que parece a la vez pared, atmósfera y memoria: un lugar sin anécdota, donde pequeños acentos cromáticos interrumpen la calma y cargan la escena de sentido. En Colón, la presencia no “narra” tanto como insiste. Artistas participantes Rafael Cerdá aborda la entidad desde lo plural: cuerpos en circulación, vistos a través de transparencias, reflejos y ritmos verticales que fragmentan la imagen. Sus composiciones convierten el espacio urbano en una estructura de capas: lo que está delante y detrás, lo que pasa y lo que se queda como sombra. La identidad aparece como superposición: siluetas que se cruzan, se duplican y se disuelven, como si la mirada registrara simultáneamente movimiento y memoria. Juntas, ambas prácticas abren un campo de tensión entre lo singular y lo plural: la figura aislada frente a la multitud, el peso del cuerpo detenido frente a la velocidad del paso, la nitidez de una presencia frente a la condición espectral de muchas. Entidades: singular y plural invita a mirar cómo la pintura puede contener lo visible y lo que se escapa: lo que somos cuando estamos solos y lo que somos cuando somos parte de un flujo. Artistas: Sonia Colón, Rafael Cerdá Fechas: 06/03 al 05/04/2025 Sonia ColónSonia Colón es una artista multidisciplinar cuya obra se centra en la figura humana —a menudo infantil— como presencia silenciosa, colocada sobre fondos abstractos y delimitados que funcionan como espacio emocional más que como paisaje. Su estilo combina realismo contenido y gesto expresionista: rostros nítidos frente a atmósferas veladas, creando piezas íntimas donde memoria, fragilidad y fortaleza conviven sin caer en lo anecdótico. Rafael CerdáSonia Colón es una artista multidisciplinar cuya obra se centra en la figura humana —a menudo infantil— como presencia silenciosa, colocada sobre fondos abstractos y delimitados que funcionan como espacio emocional más que como paisaje. Su estilo combina realismo contenido y gesto expresionista: rostros nítidos frente a atmósferas veladas, creando piezas íntimas donde memoria, fragilidad y fortaleza conviven sin caer en lo anecdótico. OTROS ARTISTA EN LA EXPOSICIÓN PERMANENTE Josune García LarrañagaArtista abstracta nacida en San Sebastián. A través de gestos, texturas y color, su obra transforma emociones en paisajes interiores. Ha expuesto en España y el extranjero desde 2017, y su obra forma parte de colecciones en Europa, Asia y América Roberto SayasDesde la abstracción gestual hasta el hiperrealismo vegetal, pasando por el arte cinético y la investigación marina, sus obras revelan lo que a menudo pasa desapercibido, haciendo visible lo invisible, y despertando una conciencia estética que se transforma en llamado a cuidar el planeta.. Marina GadeaCádiz. Artista multidisciplinar con formación científica, su obra investiga los fondos marinos y los traduce en composiciones abstractas cargadas de contenido ecológico. Ha sido premiada por la Diputación de Cádiz y participa en ferias y proyectos que vinculan arte y conciencia medioambiental. Carles Azcón Compartir: Facebook WhatsApp X Threads
LOS INVISIBLES 2: Permanencia y continuidad
Más Exposiciones LOS INVISIBLES 2: Permanencia y Continuidad (un proyecto que se estrenó en el 2023 en la Fundación Valentin Madariaga de Sevilla) Isabel Andrada Vanderwilde – Magdalena Bachiller – Felipe Candel Paco de la Matta – Rafael G. Zapatero LOS INVISIBLES es un grupo de 5 artistas – pintores- cuyas carreras comienzan a despuntar a principios de los años 80. Con trayectorias vitales dispares, cada uno de ellos han llevado (y llevan) sus caminos profesionales individuales. Sin embargo y dada su amistad, deciden hacerse grupo recientemente. Presentando su proyecto grupal en la Fundación Valentín de Madariaga de Sevilla en 2023- con el objetivo de visibilizar a los artistas que de manera sostenida han seguido activos. Ahora, este proyecto tiene continuidad en Marbella de la mano de EsArte Gallery, un proyecto de Marifé Núñez para Fundación Fuerte, donde se podrán ver obras de distintas etapas, algunas de ellas inéditas, con lenguajes dispares y formas diversas de abordar la pintura, siempre desde una plástica cercana a la excelencia. El debate entre Ser o Estar, ha marcado la carrera de estos artistas que antepusieron sus principios estéticos a las nuevas tendencias, siendo ellos mismos en su espacio invisible que es donde fueron capaz de crear lo que ahora queremos evidenciar.. Artistas participantes Estos artistas son : Isabel Andrada Vanderwilde (Granada, 1960) Magdalena Bachiller (Jerez de la Frontera, 1963) Felipe Candel (Sevilla, 1957) Paco de la Matta (Écija 1960) Rafael G. Zapatero (Sevilla, 1953 – 2023) El comportamiento organizacional en el arte de vanguardia está constatado por la historia y es en su propósito una garantía de trascendencia, por lo que no debe sorprendernos en absoluto, que bajo el objetivo de alcanzar visibilidad, la terminología “Los invisibles” culminara con una exposición en Sevilla (2023). Idea que sin ser subversiva, se adapta a un momento en que la necesidad de evidenciar lo que pertenece a lo minoritario es una acción de justicia, y eso, desde el punto de vista antropológico suma a esta muestra un valor añadido. Los 5 artistas que forman parte de esta exposición iniciaron su carrera en los años 80, un momento en el que la efervescencia de Sevilla se vincula con lugares, derivas intelectuales y nombres propios que han trazado la conocida – y justificada- historia del arte contemporáneo andaluz. En cuanto a los estilos y trabajos que se podrán ver en la muestra, son dispares, interdisciplinares y abarcan desde la pintura a la escultura y desde la figuración a la abstracción. En sus obras coexisten conceptos estéticos como la comprensión de modernidad, el conocimiento de la historia y la muestra veraz de la idea adscrita a un compromiso con el deseo de crear – con la imagen o la forma. Los estilos que transitan estos artistas son dispares, con vocabularios formales que van desde la figuración a lo abstracto pasando por tintes expresionistas. Se acercan a una iconografía que comprende emociones profundas, oscilantes entre la mitificación de la labor creativa y otras más cercanas al rito, de las que resultan piezas de una gran poesía visual, geometría, expresividad, simetría y color. Las piezas que podemos ver en esArte Gallery son formatos grandes – en su gran mayoria- radiantes de color, entre cuyos motivos podemos encontrar retratos anónimos, campos de pigmento centrados en la huella, estudios cromáticos de factura impecable, abstracciones de una transparencia o incluso un retrato de Marilyn Monroe que no dejará a nadie indiferente Compartir: Facebook WhatsApp X Threads
Johan Wahlstrom: Distorted Happiness
[vc_row css=”.vc_custom_1522314414836{margin-top: 20px !important;}”][vc_column][vc_column_text]Johan Wahlstrom is featured as a featured artist in ArtPulse Magazine, following his successful solo exhibition in New York in March 2018. Very soon we will have a new exhibition of Johan Wahlstrom in Spain, at Es.Arte Gallery Marbella. Translation of the Paul Laster article: A rock musician turned artist, Johan Wahlstrom creates energetic paintings that blur the boundary between abstraction and figuration. As a starting point we take one of his paintings from 2015 with a multitude of people seen from the stage, his solo show “Distorted Happiness”, at George Bergès Gallery – New York, changed his previous illustrative style into a more surrealistic nightmare world.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_single_image image=”11954″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]The painting mentioned, entitled “The Search for Happiness”, captures a group of faces crying out to see someone on stage, while waiting to be seen by a figure they adore. Sketched in black paint as human caricatures or masks in an abstract field sprinkled with pigments and newsprint, the assembled heads seem largely devoid of body and soul. Representatively, they merge into the background of the work to become an accumulation that forms a mass. Although he is a fifth generation Swedish artist, Wahlstrom began his creative career as a keyboardist and singer, performing with such famous musicians as Ian Hunter, Graham Parker and Mick Ronson, as well as with his own group. After almost 20 years making music, he left the stage and moved to France to continue his life as a painter. Inspired by Jean Dubuffet and the Art Brut movement he championed, Wahlstrom turned his audiences into works of art, making them and their mental and psychological state the focus of his expressive art. [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_single_image image=”11952″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]When he arrived in New York in 2015 for a residency at Mana Contemporary, Donald Trump’s newly launched campaign caught his attention and became the artist’s theme. One of the paintings from that provocative series was shown in the exhibition. The 2016 work “Punch Them Hard” shows Trump with his thumbs up in a sea of indistinguishable people, while in the depths of the painting we find a man getting punched in the face, and a shadowy gang trampling on a fallen protester. [/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_single_image image=”11948″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Over time, however, Trump’s fervent supporters are transformed into skulls in the works, and this is where Wahlstrom’s painting becomes even more fascinating. In “See Me Feel Me Love Me,” the title of which refers to a song by The Who, and “Worn Out” (both from 2016), the artist uses templates and poured paint to create skull-like heads that float in an abstract environment. However, in the 2017 paintings “Distorted School” and “Distorted Reality”, the barely formed faces are closer to the apparitions, with features that flow like smoke.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_single_image image=”11950″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]And taking figuration to the limit of recognisable forms, the 2017 works “Torn Apart” and “Keep the Party Going” look more like scribbles on alleyway walls – where the rebellious side of humanity commonly leaves its mark – than representations of real people. Mixing a sense of anguish about the oppressive politics of the time with memories of youth when his world was a stage, the artist paints an expressive image for the man in the street. Paul Laster[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_btn title=”Read original article” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”lg” align=”center” link=”url:http%3A%2F%2Fartpulsemagazine.com%2Fjohan-wahlstrom-distorted-happiness|title:ArtPulse%20Magazine|target:%20_blank|” button_block=”true”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_btn title=”Artworks for sale by the artist Johan Wahlstrom” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”lg” align=”center” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fartista%2Fjohan-wahlstrom|title:ArtPulse%20Magazine|” button_block=”true”][/vc_column][/vc_row]