Exposición Rosewood: Imaginario de Lejanía
[vc_row][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”17695″ img_size=”medium” alignment=”center” css_animation=”bounceInLeft”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”17744″ img_size=”medium” alignment=”center” css_animation=”bounceInLeft”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”17746″ img_size=”medium” alignment=”center” css_animation=”bounceInLeft”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_empty_space height=”24px”][vc_btn title=”Alba Cortés” style=”classic” shape=”square” color=”black” size=”lg” align=”center” css_animation=”bounceInLeft” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fartistas%2Falba-cortes|||”][vc_empty_space height=”24px”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text] Rosewood, imaginario de lejanía – Alba Cortés – El aroma exótico de la pintura Texto crítico: Patricia Bueno «El pueblo de Holcomb está en las elevadas llanuras trigueras del oeste de Kansas, una zona solitaria que otros habitantes de Kansas llaman «allá». (Truman Capote, primeras líneas de «A sangre fría»). Deslizarte sensorialmente a través de tus propios pensamientos es una manera tenue – o incluso cómoda- de buscar un bienestar efímero, inconsistente e irreal , pero que es tan necesario como efectivo para mantener el ansiado equilibrio que todos buscamos, y que, en esta exposición, parece convertirse, además, en el primer pensamiento sugestivo cuando se contempla en su totalidad, el grueso de las obras que la componen. La pintura que lleva a cabo Alba Cortés ( Cáceres, 1991) para este proyecto, es especialmente visual a la vez que delicada. Llena de matices e intencionalidad, la artista presenta en Rosewood, imaginario de lejanía una serie de visiones espaciales parciales cuya presentación juega, por una parte, con los puntos de vista y los tamaños para demostrar que, en este caso, es ella quien nos indica en qué forma -y no otra -, se debe ver sus paisajes, como si de alguna manera, le dijese a un espectador que quiera ojear algo así como : ¡Sí!, es ahí, párate justo ahí. Y este “justo ahí” es cercano al objeto protagonista, porque la vista que se ofrece es de fragmento, un paisaje reducido a un segmento de vegetación que parece fotografiado, muy contrastado, sugestivo y sugerente, que nos habla de una visión del exotismo descontextualizado, que parece concebirse con una intención clara de acrecentar el engaño que de por sí, supone la representación con tendencia objetiva moderada de la naturaleza, porque en su pintura, el realismo sufre un proceso de metamorfosis, que se produce a través de la evolución del concepto de imitación, lo que consigue recurriendo a una inteligente apelación al antiguo concepto estético de la mimesis, pero con una intención clara de evidenciar que el espíritu de los tiempos ha cambiado. Su trabajo emana, por tanto, dulzura y subjetividad, y nos invita a soñar con los lugares imaginados cuyo viaje cerebral nos despierta sacudidas sensoriales como puedan ser un olor desértico, un vacío situacional, o un calor seco agradable del atardecer – o amanecer- de un paraíso soñado, descontextualizado, que parece estar siendo visto a través de una lente tamizada. En cualquier caso, estas representaciones parecen remitirnos a un lugar aislado, quizás a un no lugar, porque la luz que presenta, tampoco permite la comprensión lógica del paso del tiempo, y eso lo convierte en un escenario de tregua, entre lo la lejano y lo irreal, como continuidad trasmutada a través de una mirada hábil. En definitiva, una pintura que emana perspicacia y denota el talante de perfección que siempre ha acompañado a esta artista quién, nos invita, con este proyecto, a contemplar y pensar en la apreciación controlada de una naturaleza sublimada, con una intención de dar belleza al propio naturalismo o a lo decadente, ya sea mediante la presentación de sus vigorosas vegetaciones en estado salvaje, o bien, a través de sus cielos envolventes y rotundos. Patricia Bueno del Río Marzo, 2022 [/vc_column_text][vc_empty_space height=”24px”][vc_btn title=”DESCARGAR CATÁLOGO EXPOSICIÓN” style=”classic” shape=”square” color=”black” size=”lg” align=”center” css_animation=”bounceInLeft” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fwp-content%2Fuploads%2F2022%2F03%2FCATALGO.pdf|||”][vc_empty_space height=”24px”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_media_grid grid_id=”vc_gid:1649677741180-7c71f64c-a169-0″ include=”18143,18141,18145,18139,18135,18133,18137,18131,18127,18125,18123,18119″][/vc_column][/vc_row]
DE VUELTA A LA TIERRA
[vc_row][vc_column][vc_single_image image=”19495″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_empty_space height=”10px”][vc_btn title=”MIGUEL NÚÑEZ” style=”outline” shape=”square” color=”black” align=”center” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fartistas%2Fmiguel-nunez|title:Miguel%20N%C3%BA%C3%B1ez||”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text] DE VUELTA A LA TIERRA – Miguel Núñez EL PRESAGIO Patricia Bueno del Río Volver a la tierra como acción figurada involucra una suerte de ficción se mire desde el punto que se mire. Es legítimo y automático que asociemos a lo que asumimos como extraño cierto cariz del sentido cotidiano de nuestra vida, pues solo de esta forma, conectamos con las ideas, con lo aprehendido y con lo magnífico, el cóctel chispeante que ambicionan las almas sensibles. En el imaginario de Miguel Núñez ( San Roque, Cádiz, 1991) existe una forma de mirar rotunda e idílica que pasa por el acto de enlazar elementos de entornos distintos y los compone visual e intelectualmente para generar escenas desconcertantes y simbólicas, llenas de poética , en las que se encierran lecturas dispares; todas ellas, en clave natural, instintiva y figurada, lo que lo hace oscilar entre lo inquietante de lo metafísico y un lugar apacible de disfrute, un terreno de acción y evidencia, esto es, usar el mito literario del locus amoenus como realidad inefable. La idea que subyace por tanto, en su trabajo, deriva de una premisa clara: la libertad, capacidad humana por antonomasia que nos permite actuar por voluntad propia, y que al usarla, convierte su pintura en una creación gustosa e independiente; reflexiva, metódica y significada, otorgándole un fundamento crucial que la sitúa en un plano trascendental y la convierte en una obra psicológica y filosófica que se centra en la esencia y la percepción de la belleza, dejando presente la intencionalidad de hacer referencia a conceptos como la apoteosis y la melancolía. En las obras que componen la exposición De vuelta a la Tierra hay silencio místico y aparente tendencia a la comprensión del dolor. También hay pensamiento reflexivo, acción de redimensionar la realidad que se plasma, y pulsión. De alguna manera, los temas que trata aluden a ciertos universos figurados que se acercan a una visión existencial, en la que las figuras representadas simbolizan inquietudes, ilusiones y deseos que el autor parece que busca materializar a través de figuras que plantean un enigma que permite constituirse hacia la construcción de cada historia propia. De este modo, la presencia habitual de esculturas clásicas descontextualizadas que rememoran tiempos pasados, nos hablan de sueños propios que a veces se ven teñidos por la dulzura de la decadencia al presentar en su constitución, sutiles elementos de mutilación y deterioro que simbolizan el paso del tiempo y de la la ausencia, y nos lleva a percibir fenómenos sensoriales como el silencio a través de la visualización, recordándonos a teorías estéticas subversivas como las que se reflejan en los escritos sobre estética el Marqués de Sade, donde se indica que el menoscabo y lo voraz también es belleza. [1] El trabajo de este artista reconstruye, en definitiva, una escenografía subjetiva en la que la figura humana tiende a convertirse en icono a través del propio arte, ya que aparece representada mediante creaciones que remiten a la intencionalidad de enaltecer. El uso de colores intensos, vivos y saturados, en contraste con esculturas clásicas fragmentadas, supone una interpretación inquietante que oscila entre lo perturbador y el planteamiento de enigmas impactantes, -aunque funcionan como un oasis visual- y la representación de arquitecturas fuera de contexto refuerzan la idea del transcurrir o divagar por espacios imaginados. Lo cierto es que cuando en el siglo V a.C la escultura alcanza el máximo auge, se toma al hombre como la nueva medida del universo, idealizándose la representación fidedigna de la naturaleza, y comienza a evitarse, por todos los medios, la tendencia a lo realista de las sensaciones emocionales, poniendo de relieve lo animal, lo visceral. [2] Representar en lo real a través del fingimiento, como ocurre en las escenas que estamos viendo, no es más que una vía inteligente de escape, que exige una mirada comprensiva, consciente y ávida de búsqueda de temas primitivos de los que todos somos participes como son el amor, la religión o la muerte, análogos al desarrollo del homo sapiens desde el nacimiento de su especie, y hasta la actualidad, algo que se refuerza al incluir como motivos de representación – a través de la escultura o pintura cerámica-, hombres acompañados de animales, que se relacionan desde distintos o iguales planos, como una miscelánea relacional intelectualmente elevada, atemporal, falaz, inerte y estática[3], que parece esquivar desde lo fastuoso a lo apocalíptico, como si de un quiebro a un presagio se tratase. [1] Sade describe que “[…] En lo horrendo, lo grotesco y en lo desconcertante, en lo atrozmente impactante, también puede existir belleza. – poniendo por ejemplo la escultura del Laocoonte-; […]”. Esto se observa en los nimios detalles de deterioro y anclaje de las esculturas que aparecen en la pintura de Núñez, las cuales sitúa en ejes de visión complejos, colocadas en perspectivas que no buscan la idealización. [2] Es la revolución que anuncia – para el hombre del siglo XXI- Yuval Noah Harari, en su libro “De animales a dioses”. [3] De animales a dioses: que los Homo Sapiens están actualmente en proceso de convertirse en “dioses”, como consecuencia de su revolución científica y su capacidad de crear vida o de superar las fronteras de la atmósfera del propio Sócrates y el pensamiento[/vc_column_text][vc_empty_space height=”20px”][/vc_column][/vc_row]
NUEVA ABSTRACCIÓN POST-PICTÓRICA
[vc_row][vc_column width=”1/2″][vc_single_image image=”15384″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_empty_space height=”10px”][vc_btn title=”NORBERTO GIL” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fnorberto-gil|title:Norberto%20Gil||”][/vc_column][vc_column width=”1/2″][vc_single_image image=”15386″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_empty_space height=”10px”][vc_btn title=”REBECA FERRERO” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Frebeca-ferrero|title:Rebeca%20Ferrero||”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/2″][vc_single_image image=”15382″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_empty_space height=”10px”][vc_btn title=”FERNANDO CLEMENTE” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Ffernando-clemente|title:Fernando%20Clemente||”][/vc_column][vc_column width=”1/2″][vc_single_image image=”15388″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_empty_space height=”10px”][vc_btn title=”SANTIAGO PICATOSTE” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fartistas%2Fsantiago-picatoste|title:Santiago%20Picatoste||”][/vc_column][vc_column][vc_single_image image=”10955″ img_size=”medium” alignment=”center” title=”Jorge Hernández”][vc_empty_space][vc_btn title=”Jorge Hernández” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”sm” align=”center” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fjorge-hernandez|title:Jorge%20Hern%C3%A1ndez||”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text] NUEVA ABSTRACCIÓN POST-PICTÓRICA Fernando Clemente – Norberto Gil – Santiago Picatoste – Rebeca Ferrero Los fundamentos del símbolo Patricia Bueno del Río Hacia 1940, Barnett Newman se preguntaba para qué pintar, posiblemente porque en su tiempo, lo conceptual se abría paso dando lugar a un mundo en el que cada vez cobraba más importancia la hegemonía del pensamiento. “Todo tiene una forma, y toda forma tiene un significado”, sugería por su parte con cordura Josef Albers, consciente de que en la creación, no existía desmérito o apocamiento por el hecho de enaltecer el color y la materia como razón única de su existencia cuando de pintar se trataba. Ofrecer una imagen deconstruida, personal y subjetiva del mundo, se antoja hoy como la manera más romántica de crear una imagen verosímil, simplemente, por el valor de cimentar pensamiento y por el atrevimiento de mostrarlo en un mundo en el que prevalecen los mensajes directos. Es por esto que las distintas formas en que los artistas se enfrentan a la creación de formas abstractas son misterios que no atienden a un raciocinio metódico, tal vez, porque en la acción de despojarse de la carga – la matérica y la conceptual a veces – se deja solo descubierto la intencionalidad del que crea, esto es, la verdad del pintor que pinta, su sentido de la estética y su dominio de la técnica, cuestiones, que actualmente no son elogiadas, pero sí veraces pues, en el saco del hedonismo ¿quien está libre de carga para poder tirar la primera piedra? . En el caso de los artistas que constituyen la muestra, esta forma de pensamiento parece ajustarse a sus metodologías de trabajo, haciendo uso de formas abstraídas simples que aparecen combinadas en composiciones personales sobre espacios que son casi siempre irreales. Así ocurre en la obra de Fernando Clemente (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1975) un artista con una pintura intimista y emotiva que tiende hacia una abstracción particular. En su última etapa, Clemente ha investigado acerca de las cualidades físicas de la creación pictórica, del objeto, y ha enriquecido su lenguaje artístico con derivas que persiguen analogías formales entre la composición plástica y la musical, en la que se percibe el ritmo, el color y la línea como componentes equidistantes. Sus creaciones, son un alarde de entusiasmo, un sentimiento difícil de racionalizar, que despierta la explosión creativa. Su geometría sitúa al espectador, mientras que el color lo envuelve. Pero a su vez, utiliza recursos de maestría que lo avalan como pintor de método, como son los resaltes, las sombras y solapamientos y denota la existencia de cierta nostalgia por lo primitivo, por la pureza. Norberto Gil (Sevilla, 1975), por su parte, lleva a cabo una abstracción que parte de una idea pre establecida. En sus obras, se adivinan formas que remiten a la arquitectura o a elementos de ella, a través del uso de colores ácidos, composiciones estudiadas y factura impoluta. Contemplar sus creaciones, obliga a discernir sobre la depuración de las formas, que llegan a reducirse hasta sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Estructuralmente, presenta una armonía apabullante, a través de su estudiado trabajo previo de proporción y composición, con lo que obtiene como resultado una pintura de gran equilibrio entre geometría y el color. De ahí que sus obras sean básicamente constructivas, aunque logren tirar de la mirada, estimular la memoria e impulsar el pensamiento. En cuanto al trabajo de Santiago Picatoste (Palma de Mallorca, 1971) con una amplia trayectoria, merece resaltar su capacidad evolutiva pues, se trata de un artista que compagina su fortísima personalidad con una constante vocación investigadora y una gran capacidad evolutiva, lo que lo ha llevado a pasar por distintas etapas, encontrándose ahora en un momento de síntesis en el que amalgama su reconocido estilo abstracto con cierta reminiscencia al mundo del Cómic. Picatoste crea, ahora como antes, teniendo presente la espontaneidad, y la alquimia en el proceso creativo, pero su idea plástica se torna cada vez más expresionista. Sus últimas creaciones cuentan con un material innovador y ecofriendly, el acetato polivinílico, que usa como aglutinante para su pigmento y que está creado a través de plásticos reciclados obtenidos de los océanos. Por otra parte, su estilo cosmopolita que contrasta con el uso sistemático que hace del instintivo gesto, lo conecta con los estilos de la vanguardia americana del siglo XX y enlaza con la premisa que lo vincula a sus otros compañeros de cartel, la reducción conceptual hacia lo fundamental de su trabajo, o como dicen en el gremio: uniéndolo a la órbita de la “pintura pintura”. Por último, Rebeca Ferrero (Béjar, Salamanca, 1990), una artista joven cuya creatividad le da cobertura suficiente como para ser el cuarto bastión de la muestra. Su obra, abstracta e innovadora combina su capacidad plástica con el riesgo que deriva del uso personal de la técnica que emplea, pues, a partir del grabado, crea composiciones genuinas que se basan en la superposición de diversas telas tratadas, lo que dan como resultado una obra única y subjetiva, con base en el género del paisaje. Las escenas que resultan son sugerentes y atrayentes; evanescentes, lo que hace al espectador sumergirse en una especie de episodio onírico que le invita a pensar y sentir. Su originalidad radica, además de en el uso innovador de la técnica, en la selección de los materiales, – las telas – que superpone, combina y manipula para concretar la forma, más allá del simple soporte. Un uso que recuerda, en esencia, a la mítica frase de Louise Bourgeois: “Tejer como forma de sanar”. En definitiva, un elenco heterogéneo y excelso, que hacen uso de la ambigüedad semántica para proyectar un enigma para
LA FIGURACIÓN EN ÉPOCA DE TRANSICIÓN
[vc_row][vc_column][vc_column_text] TIERRA DE HAMBRE II – LA FIGURACIÓN EN ÉPOCA DE TRANSICIÓN Es.Arte Gallery, presenta la exposición Tierra de Hambre: La figuración en tiempos de transición, la tercera edición de la colectiva anual que desde 2018 lleva a cabo la galería con un objetivo social: La lucha por la concienciación. (Tierra de Hambre y Be woman & Smile). La propuesta, resultado de una convocatoria previa, apuesta por vincular la plástica al mensaje y cuenta con la participación de seis artistas, con cuya obra se llevará a cabo un acercamiento al pensamiento actual. En esta ocasión, y dada la calidad de las propuestas, la exposición Tierra de hambre se dividirá en dos etapas, la primera de ellas, con subtitulo La figuración en tiempos de transición, que se inaugura el 15 de abril, y La abstracción en tiempos de transición, pendiente de definir fecha.[/vc_column_text][vc_empty_space][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”14049″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_btn title=”MIGUEL GÓMEZ LOSADA” shape=”square” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fmiguel-gomez-losada|title:Miguel%20G%C3%B3mez%20Losada|target:%20_blank|”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”14051″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_btn title=”MIGUEL NÚÑEZ” shape=”square” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fmiguel-nunez|title:Miguel%20N%C3%BA%C3%B1ez|target:%20_blank|”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”14053″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_btn title=”CRISTÓBAL QUINTERO” shape=”square” size=”sm” align=”center” button_block=”true”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”14055″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_btn title=”ALBA CORTÉS” shape=”square” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Falba-cortes|title:Alba%20Cort%C3%A9s|target:%20_blank|”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”14057″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_btn title=”JAIME SANCORLO” shape=”square” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fjaime-sancorlo|title:Jaime%20Sancorlo|target:%20_blank|”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”13995″ img_size=”medium” alignment=”center”][vc_btn title=”ANA VALDERRÁBANOS” shape=”square” size=”sm” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fana-sanchez-valderrabanos|title:Ana%20S%C3%A1nchez%20Valderr%C3%A1banos|target:%20_blank|”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text][/vc_column_text][vc_empty_space][vc_column_text] LOS BUSCADORES DE BELLEZA TEXTO CRÍTICO: Patricia Bueno del Río En el último año, la humanidad se ha visto abocada a cuestionar los relatos hegemónicos que envuelven la complejidad que de antemano va adscrita a un proceso de transición como el que estamos atravesando. Así pues, resulta necesario reflexionar sobre las estrategias ajenas con cierta resistencia y contestación, algo que siempre ha perseguido el arte: pensamiento crítico y reflejo estético para dar respuestas. En la naturaleza de un proceso de cambio, se produce un detonante que paraliza, y por tanto, provoca una paulatina desactivación temporal de las prácticas artísticas. Al tomar consciencia, se reactiva la actividad, y se renueva el pensamiento creativo, a menudo, trastocado por la nueva realidad que acontece. Los autores que esta muestra reúnen son, de alguna manera, buscadores de la respuesta a través de la belleza; contrarios, de algún modo al dogma de Danto que consideraba la belleza como una visión atrasada del arte. En la obra de cada uno de los autores, hay metafísica, valor introspectivo y panorámica exterior, pero sin duda, las distintas perspectivas que ofrecen se acercan a la filosofía kantiana que define la belleza como el libre juego de las facultades humanas, de la sensibilidad y el entendimiento. Miguel Losada y Miguel Núñez, lo hacen desde una poética exquisita con la que que reflejan un modo afectivo de recrear la imagen. El primero, representando la exaltación de lo grácil a través de la postura, la porte y el boato con que dota a las figuras humanas que representa; el segundo, transfigurando espacios en los que la presencia del ser humano se reduce a la reproducción majestuosa de la misma a través de la escultura. Cristóbal Quintero, con ironía, a través de escenas llenas de carga simbólica en las que la plástica y el lenguaje se enlazan para conseguir una imagen simbólica cargada de fuerza, humor y sentido. Alba Cortés, por su parte, se acerca a la belleza con la representación rotunda de un paisaje montañoso al que dota de sutiles matices, apelando a lo sublime desde un punto de vista muy afín al Romanticismo; Ana S. Valderrábanos, desde la reducción de la imagen a planos de una suave monocromía que dota de luz a la representación de dulces y optimistas escenas de la infancia, y Jaime Sancorlo, con una obra cargada de contenido, que invita a centrarse en lo minucioso de los detalles, y una marcada ironía que conecta frontalmente con el espectador. De este modo, el mensaje de cada creador va adscrito a su lenguaje, y subyace incluso, a su particular manera de entender el mundo, asumir sus cambios y adaptarse a ellos. Esto es lo que prevalece: la búsqueda de la verdad y su implícita manera de conceptualizar mediante la visión subjetiva. La estética es inevitablemente útil para ser contestatario. Lo bello es ahora necesariamente libre y desinteresado, por tanto, más rico, necesario y trascendental.[/vc_column_text][vc_empty_space][vc_media_grid grid_id=”vc_gid:1619269694768-3c955f96-ad70-4″ include=”14237,14239,14241,14245,14249,14251,14253,14257,14265″][/vc_column][/vc_row]
GEOMETRÍAS EN EL SER FEMENINO Y SU LIBERTAD
[vc_row][vc_column width=”1/2″][vc_single_image image=”11817″ img_size=”full”][vc_btn title=”TERESA CARNEIRO” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”xs” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fen%2Fartists%2Fteresa-carneiro%2Fteresa-carneiro-3|title:Teresa%20Carneiro|”][/vc_column][vc_column width=”1/2″][vc_single_image image=”11757″ img_size=”full”][vc_btn title=”AMÉLIE DUCOMMUN” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”xs” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fen%2Famelie-ducommun-2|title:Am%C3%A9lie%20Ducommun|”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_empty_space][vc_column_text] TERESA CARNEIRO – AMÉLIE DUCOMMUN from 29 of October to 30 of November Es arte gallery presents a clearly feminine exhibition, where two contemporary artists clearly share their artistic understanding. TERESA CARNEIRO (Portugal 1977) Within Teresa Carneiro’s creative space, without following fashions or styles, her work is expressed predominantly by women, in search of gesture and an imploring need to feel alive. Each work tells a story, a voice that whispers secrets like a window that opens to the abyss of the unconscious. Melancholic women of apparent fragility manifest their empowerment through the geometric lines that crown the material force in contrast to their spiritual and feminine being. Their work is charged with figurative pop reminiscences, together with an extraordinary mastery of drawing, colour on wood and die-cut shapes in order to encompass not only the dimensionality of the Spatial Universe, but also the Universe of Ideas, the Universe of all Possibilities…. of life and death… of the visible and the invisible… Teresa Carneiro, in recent years, has managed to impose herself in the difficult market of contemporary art, tracking today an inevitable name not only in Portugal but also in the different countries, with participation in international fairs and important art galleries. AMÉLIE DUCCOMUN (Franco-Suiza 1983) With Amélie Duccomun we enter the world of abstraction, where the senses are revealed to look, listen, breathe, dream, and then stop to observe, feel, contemplate… The series we present was created in Spain, where Amélie Ducommun expresses her passion for nature and, more precisely, for water, through a poetic abstraction of marked sensitivity. With a firm knowledge of balance and harmony, Amélie Ducommun merges with the transparency of water, fluidity, light, reflections and matter, Her colour palette varies according to the natural environment and the light around her, that of Amélie Ducommun has been enriched with new colours. The earth has lent her its red, brown or yellow ochres, and the aquatic vegetation its greys and blacks, where the blue-green colour makes its appearance. Her compositions are centred on motifs, strokes, natural oscillations, full of the strength and beauty of the four elements which inspire the artist, giving her the sense of her creation. Amélie Duccumon, at the age of 36, has already had more than 100 exhibitions worldwide (France, Spain, USA, China, Italy, Switzerland, United Arab Emirates, Germany, Canada, Brazil, Portugal…) and has participated in various art fairs (Art Miami, FIAC, Art Central Hong-Kong, Art Elysée, Art Madrid, Art Stage Jakarta, Estampa, Art Shenzhen, Just MAD…) and biennials (Beijing, Dakar…).[/vc_column_text][vc_empty_space][vc_media_grid grid_id=”vc_gid:1603819718041-1c70b7b7-d9b4-5″][vc_empty_space][/vc_column][/vc_row]
Instantes en Paralelo
[vc_row][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”10977″ img_size=”full” onclick=”custom_link” img_link_target=”_blank” link=”https://esartegallery.com/salustiano”][vc_btn title=”SALUSTIANO” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”xs” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fsalustiano|title:Salustiano||”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”10781″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”custom_link” img_link_target=”_blank” link=”https://esartegallery.com/artistas/santiago-picatoste”][vc_btn title=”SANTIAGO PICATOSTE” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”xs” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fartistas%2Fsantiago-picatoste|title:Santiago%20Picatoste||”][/vc_column][vc_column width=”1/3″][vc_single_image image=”10979″ img_size=”full” alignment=”right” onclick=”custom_link” img_link_target=”_blank” link=”https://esartegallery.com/jorge-hernandez”][vc_btn title=”JORGE HERNÁNDEZ” style=”outline” shape=”square” color=”black” size=”xs” align=”center” button_block=”true” link=”url:https%3A%2F%2Fesartegallery.com%2Fjorge-hernandez|title:Jorge%20Hern%C3%A1ndez||”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_empty_space][vc_column_text] INSTANTES EN PARALELO 14/08/ al 30/09/2020 JORGE HERNÁNDEZ – SANTIAGO PICATOSTE – SALUSTIANO Tres tipos raros y la pintura (Texto Crítico Andrés Isaac Santana) Con todo y el fervor desmedido de sus sepultureros de turno, la pintura sigue viva, se pavonea despampanante y alegre allí mismo donde el resentimiento de cierto conceptualismo se aventura a decretar su muerte una y otra vez. La redención, lo sabemos, no es más que una ilusión concertada, una mentira en boca de esos que buscan la salvación de la muerte expiando sus pecados y sus culpas. Pero aquí no. En este espacio insoldable, en este ámbito de malabares y de intenciones cifrado bajo el nombre de Es Arte Gallery, la redención es, si acaso, auténtica caricatura. Aquí no vale hablar de culpas ni de pesares; aquí vale, y mucho, reconocer el descaro de tres grades pecadores, la vehemencia de tres tipos raros que, a contracorriente del carnaval de las defunciones, saben gozar la pintura haciendo de ella el centro de su ritual erótico. Instantes paralelos, por tanto, no es una exposición cualquiera; es, con mucho, una suerte de celebración del estado de salud de un género que, mientras existan pintores como Jorge Hernández, Santiago Picatoste y Salustiano, resultará imposible pensar en cualquier tipo de deterioro o de ocaso relamido y triste. Su título, literal y metafórico, no deja de parecerme atractivo. Sin embargo, por deformación crítica la mía que todo lo cuestiona, se me antoja un tato contradictorio al tiempo mismo que eficaz y provocador. Por paralelo se entiende aquello que jamás podrá cortar otra línea u otro plano por más que se prolongue en el espacio y en el tiempo, dado que todos los puntos de uno están a la misma distancia del otro. Tanto es así que “las caras opuestas del cubo son paralelas entre sí”, una y otra permanecerán, eternamente, a la misma distancia. Sabido esto, aflora entonces una contradicción de plano toda vez que, si bien las gramáticas pictóricas de estos artistas españoles, se orquesta bajo el signo de un mundo referencial autónomo; cierto es, también, que ellos sí que se cruzan en un plano y en una línea común: la de la confesión que implica el reconocimiento de su amor y de su adicción por la ductilidad y espesura de la materia pictórica. Los tres, a su modo, ejercitan un particular instinto de conservación de ella y un gusto por la tragedia, en el sentido de amarla más allá de su presunta muerte y de su excitación recurrente. Sus distancias, insisto en esta idea, se acercan en la pasión con la que los tres asumen el soporte y el cuerpo de la pintura para convertirlo en un espacio proclive al desvío retórico y a la vocación narrativa de la misma. Esta muestra, curada por Marifé Nuñez, también artista y -a diferencia de ellos- mujer, se traduce así en un inteligente y noble ejercicio de afirmación. Pero no de una afirmación narcisista que rinde culto a la pintura como una suerte de nuevo dios entre los lenguajes del arte. Bien sabemos que todo dios es una segregación, una deformación, una contracción a la que resulta caro el abandono, la soledad y la muerte antes o después de las epifanías y del fervor que nace de la oscuridad y de la sumisión. La afirmación se da y ocurre como consecuencia directa de esa voluntad y de esa necesidad de seguir creyendo en el valor y en la capacidad del lenguaje pictórico para crear, para fundar, para narrar mundos autónomos más allá de las circunstancias y de las modas. Estos tres artistas, examinados ahora desde el prisma y la versatilidad inmanente a la mirada femenina, revelan su poderío en el campo de la pintura haciendo gala no sólo de su competencia en el oficio; sino también de su capacidad y dinamismo en el proceso de asignar nuevos y frondosos sentidos al discurso (y al decir) de la pintura. La Real Academia de la Lengua se apresura a nombrar la cualidad de lo dúctil como “la capacidad para conducir el calor o la electricidad, la dureza, la maleabilidad o la ductilidad son cualidades específicas de ciertos materiales”, precisa. Y es esta misma capacidad, esa misma cualidad, la que conecta el trabajo de estos artistas y justifica la digresión enfática de su curadora al convocarlos en el mismo tiempo y en el mismo espacio: el instante paralelo. Resulta desde todo punto de vista tentador el hecho de que esta mezcla de nombres y de obras, termine por configurar un campo axiológico en sí mismo en el que podemos advertir tres de los horizontes o líneas de actuación de la pintura contemporánea. Ellos son: el sentido narrativo de la visitación y de la cita solapada (Jorge Hernández), la permanencia revulsiva y audaz de la abstracción junto a su cualidad de significación (Santiago Picatoste) y, por último, la recurrencia al retrato en su propio campo expandido y en su densidad alegórica (Salustiano). Tres líneas o ámbitos de sentido que dispensan infinitas provocaciones e interpelaciones al discurso de la crítica y a sus posibilidades de organización en torno al mismo. Líneas que, valga decir, no implican militancia temporal alguna ni la rubricación de un principio jerárquico y disyuntor. Las tres propuestas, en sus notables diferencias y en sus presuntas cercanías, no hacen sino señalar la versatilidad de la pintura y el alcance de la narrativa pictórica contemporánea evidenciando, entre otras cosas, que el debate acerca de su muerte se reduce a una cuestión de perspectiva, de ideología y de intereses más o menos previsibles. Un debate que, por sí solo, asiste a la desaparición de sus motivos y al deterioro de sus razones argumentales. Basta observar la obra de
On the Road (Sergio Padilla) Junio 2020
[vc_row][vc_column][vc_single_image image=”10446″ img_size=”full”][vc_empty_space height=”20px”][vc_column_text] EXPOSICIÓN JUNIO / JULIO “ON THE ROAD” LE INVITAMOS A DAR UN PASEO POR NUESTRO TOUR VIRTUAL Sergio Padilla – Pedro Rodríguez – Santiago Picatoste – Jorge Hernández – Paco Sanguíno – Angela Lergo [/vc_column_text][vc_empty_space height=”20px”][vc_column_text][/vc_column_text][vc_empty_space height=”20px”][/vc_column][/vc_row]
Sin Sonrisas No Hay Paraíso – Ángela Lergo, Marifé Núñez, Amelié Ducommun
[vc_row][vc_column][vc_single_image image=”10601″ img_size=”full” alignment=”center”][vc_empty_space][vc_column_text] SIN SONRISAS NO HAY PARAÍSO El arte en tiempo de pandemia ANGELA LERGO – MARIFÉ NÚÑEZ – AMÉLIÉ DUCOMMUM Desde el 23 de Julio – al 11 de Agosto El arte siempre ha contado la historia de su tiempo y en estos momentos excepcionales, sin precedentes, es cuando la conciencia creadora del artista debe tomar más fuerza para convertirse en mediador y voz de la expresión de todos. Es.arte gallery, presenta la Exposición titulada “Sin sonrisas no hay paraíso” enmarcada en un periodo de pandemia COVID19. Tres mujeres comprometidas en este contexto, hacen un análisis y una crítica social sobre el momento que estamos viviendo. Angela Lergo nos presenta su serie “The sunshine of your smile”. Una instalación escultórica de sonrisas atemporales que toman actualidad, convertidas en una manifestación reivindicativa a la expresión más autentica del ser humano, esa expresión que nos eleva el alma y que conecta con nuestro corazón y que ahora se oculta debajo de una mascarilla; LA SONRISA. Marifé Núñez, sin embargo, pone el énfasis en la MIRADA de una mujer empoderada y desafiante que cuestiona sobre el devenir del mundo. “El ojo de neón” reafirma este mensaje estableciendo un diálogo con el observador con la intención integrarlo como una parte cuántica y activa dentro del contexto de la obra.. Amélié Ducommum, nos muestra la esencia que existe a nuestro alrededor cubierta por un velo blanco que deja entrever sutilmente la maravilla del color y la fuerza de la vida. Una exposición que, sin duda, no le dejará indiferente. [/vc_column_text][vc_empty_space][vc_media_grid grid_id=”vc_gid:1595591065523-297ad521-33ff-2″ include=”10640,10722,10636,10676,10690,10686,10642,10662,10654,10652,10682,10730,10718,10660,10644,10670,10672,10656,10646,10674,10668,10650,10724,10734,10720,10634,10658,10666,10648,10638,10684,10694,10692,10704,10688,10696,10698,10700,10702,10710,10712,10716,10728,10726,10732,10736,10755,10759,10761,10753,10763,10745,10743,10747,10749,10751,10757,10765″][vc_empty_space][/vc_column][/vc_row]
Exposición Colectiva Navidad – Arte sobre Papel y Cartón
[vc_row][vc_column][vc_single_image image=”8442″ img_size=”full” alignment=”center”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_message]Exposición: Exposición Colectiva Navidad – Arte sobre Papel y Cartón Fecha: Por concretar Lugar: Es Arte Gallery, Avenida del Mediterráneo 20, 29670 San Pedro de Alcántara[/vc_message][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Es Arte Gallery tiene el placer de presentar su nueva Exposición Colectiva de Navidad “Arte sobre Papel y Cartón´´. Esta navidad hemos hecho una selección de obras sobre papel y cartón que incluye: Fotografias, acuarelas, monotipos, serigrafías, grabados y ediciones limitadas de reconocidos artistas nacionales e internacionales. Ven a disfrutar de esta exclusiva muestra de arte en Marbella cualquier día de lunes a viernes en horario de 10:300 a 14:00 y de 17:30 a 20:30. Si quieres solicitar una visita privada fuera de horario llámanos al (+34) 670 063 867. Puede ver nuestras exposiciones en Es arte gallery en la Avenida del Mediterráneo 20, 29670 San Pedro de Alcántara, Marbella, España y en la galería Magna Café que tiene en sus instalaciones en la Avda Calderón, 29660 Nueva Andalucía.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_media_grid grid_id=”vc_gid:1590779595634-49ad970e-dca5-2″ include=”8520,8494,8510,8473,8475,8488,8496″][/vc_column][/vc_row]
Exposición Individual Zinnia Clavo – La Línea Inquieta
[vc_row][vc_column][vc_single_image image=”7011″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_message]Exposición: La Línea Inquieta. Fecha: Del 08 de agosto al 04 de septiembre 2019. Lugar: Es.Arte Gallery Marbella.[/vc_message][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Es.Arte Gallery tiene el placer de presentar la nueva exposición individual de la artista madrileña Zinnia Clavo La Línea Inquieta desde el 8 de agosto al 4 de septiembre de 2019. La exposición cuenta con obras pictóricas de gran formato donde podrán descubrir una gran sensibilidad por la naturaleza y los elementos más cotidianos, representados con la fuerza y energía que caracterizan a la artista. Esta muestra nos invita a la contemplación de lo que nos rodea desde un punto de vista diferente. Nos aleja de la concepción figurativa pasando a otra mucho más profunda y sensible. El color reducido al mínimo y la potencia de la línea se convierten en los protagonistas de las obras y materializan el concepto de una manera diferente. Ven a disfrutar de esta exclusiva muestra de arte en Marbella cualquier día de martes a viernes en horario de 10:30 a 14.00 y de 18:00 a 20:00. Si quieres solicitar una visita privada fuera de horario llámanos al (+34) 670 063 867. Te esperamos en la Avenida del Mediterráneo 20, 29670 San Pedro de Alcántara, Marbella, España.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_media_grid grid_id=”vc_gid:1571307453012-24e97152-29a3-4″ include=”5932,5933,6654,6653,6652,6651,6650,6657,6658″][/vc_column][/vc_row]